| |
Texty
|
|
Zdena Škapová
Robert Bresson
Práce Zdeny Škapové je doposud jedinou domácí samostatně vydanou publikací, která se zabývá
dílem Roberta Bressona. A ačkoliv se Bressonovi v české filmové publicistice věnovalo
i několik dalších autorů, komplexního a úplného pohledu tohoto textu nedosahují
(pravda ovšem je, že dílem je tomu tak i proto, že o něj neusilují).
Z tohoto místa pak nyní zbývá jen poděkovat paní Škapové za souhlas s publikováním
textu a doplnit malý bibliografický dodatek: autorka sama použila části své práce ještě
jako základ k jiným, kratším textům, které na těchto stránkách byly publikovány již dříve (A co dále, Baltazare
a Robert Bresson - k osmdesátým
narozeninám režiséra).
|
Čas nezadržitelně míjí, a tak osmdesátník Robert Bresson, jeden z nejsvéráznějších a
nejpolemičtějších tvůrčích zjevů filmového světa, přísluší dnes k nejstarší generaci
režisérů. Jeho pověstná uzavřenost a nechuť jakkoliv obracet pozornost ke své osobě
nezeslábla ani s postupem let, takže všechny pokusy o jeho biografii či soustavné
vyložení jeho uměleckých názorů jsou si podobny svou heslovitostí a útržkovitostí.
Narodil se 25. 9. 1901 v Auvergne, menším městě ležícím jižně od Paříže, s nevalným
zájmem o studia absolvoval gymnázium, a poté se cele věnoval svému zájmu o hudbu a
malířství. Teprve pak, jak sám vzpomíná, propadl literatuře, z níž jej zvláště naléhavě
oslovil Stendhal, Dickens, Dostojevskij, Mallarmé, Valéry, Montaigne a Proust - tedy
géniové, jejichž myšlenkové horizonty dalece přesáhly dobové konvence ideové i estetické
a kteří později Bressona nejednou inspirovali při formulování jeho vlastní koncepce
lidského údělu.
Jeho filmová aktivita začíná skromně a nenápadně ve třicátých letech, kde snad jistý
význam měla pro něho spolupráce na scénáři (nerealizovaném) se Saint-Exupérym a krátké
asistování u Reného Claira (film zůstal nedokončen). Ale už z osmnáctiměsíčního pobytu
v německém zajateckém táboře (1940-41) se vrací s látkou na celovečerní film a svou
představu záhy realizuje. Andělé hříchu (1943) jsou Bressonovou prvotinou, a
přece při zpětném pohledu na jeho dílo vzbuzuje překvapení, nakolik celou strukturou
filmu prostupuje jeho nezaměnitelný režijní rukopis i jedinečné ideové stanovisko.
Pravda, nikdo zatím nemohl tušit, že režisérovo kladení zneklidňujících otázek a
rozkrývání celých trsů komplikovaných úvah, jež přitom nemusely být imanentně obsaženy
v námětu, jeho dovolávání se metafyzických dimenzí toho, co probíhalo na plátně před
zraky diváka, bude napříště konstantním znakem jeho filmů, vlastním cílem veškerého
jeho směřování. Čím se Andělé hříchu hned na první pohled odlišovaly od filmů té
doby, byla evidentní nevyklenutost fabulačního oblouku, rozdrobení dějové linie,
vyústění dbající daleko více o duchovní poselství příběhu než o logické vyvrcholení
jeho dějových peripetií. Proč se Bresson rozhodl vyprávět o protikladných osudech dvou
dívek? Anny-Marie, která vstoupí do kláštera, protože se cítí být povolána pomáhat
nešťastným a přivádět zbloudilce na správnou cestu, a Terezy, jež těsně před propuštěním
z vězení spáchá vraždu a klášter se pro ni stane přechodným úkrytem, snášeným s obdobnou
trpností a nevolí jako předtím vězení... Antitetické rozvržení charakterů dvou hlavních
figur (dovedené zde do důsledků a promítající se zřetelně i do roviny výrazové, kde
jasné osvětlování Anny-Marie i světlost jejích oděvů ostře kontrastuje s vězeňským
prostředím temnoty a stínů Terezy, snímané vždy v tmavých šatech) bylo bezesporu vhodným
předpokladem k vršení dramatických střetnutí a Bresson je skutečně částečně takto
tradičně využil, avšak poté nečekaně potlačil svůj zájem o konfliktní vztah obou dívek
a soustředil se na vzájemnou (a hluboce rozdílnou )vazbu mezi nimi a institucí kláštera.
Tím se významně vyvázal ze závislosti na klasické dramaturgické výstavbě příběhu a
vykročil vstříc své budoucí koncepci "kinematografu", neboť názorně předvedl divákovi,
že sledovaný motiv není jedinou možností uchopení tématu, že každá jeho částečka se
nabízí rozmanitým interpretacím,že většinou bývá podstatnější, co příběh zastírá, než
to, co zjevuje. I tady, jako by hrdinky náhle byly viděny ze zcela odlišného stanoviska,
začnou se jevit jako pouhé nástroje nevyzpytatelné vyšší moci, která z kruté záliby v
paradoxu dopustí, aby vroucná Anna-Marie zemřela žalem nad vyloučením z kláštera,
zatímco pro vypočítavou Terezu se posléze stane naplněním života.
Bressonovi vykladači spatřují ve finále Andělů hříchu režisérův ústupek principům
morality na úkor zákonitostí psychologického vývoje postav. K tomu jistě zavdávala
příčinu tehdejší pochopitelná nevyhraněnost jeho stylu, avšak to, co bylo identifikováno
jakožto daň moralitě, znamenalo ve skutečnosti první uplatnění Bressonovy specifické
zobrazovací metody, jež zcela pomíjí zvláštnosti individuálního psychického ustrojení,
nahrazujíc psychologicky prokreslené postavy postavami-duchovními principy, jež spolu
vstupují do složitých, mnohonásobně zvrstvených vztahů, podřízených Bressonově
filozofické koncepci lidské existence. Proto Tereza může v závěru naprosto proti logice
svého charakteru složit slib umírající Anně-Marii, že se stane pokornou řádovou sestrou,
zaujmout jaksi proti své vůli místo té, kterou zničila, neboť se tak děje v souhlase s
Bressonovou premisou, ne nepodobnou tezím Dostojevského, že silná duchovní kvalita se
odděluje od svého nositele a, nadána samopohybem, ovlivňuje a spoluurčuje dále ve světě
životy druhých.
Následující Dámy z Boulognského lesíka (1944-45) jsou rovněž hledačským dílem,
závislým ještě v mnohém na tom, co Bresson později tak radikálně zavrhl. Jednak se tu
uplatňuje poměrně pevná stavba fabule, sledující propletence tří lidských osudů, jednak
tu poznovu najdeme herce, ztělesňující "literární" (Bresson) postavy. Známá herečka
Maria Casarésová, představující tady jednu z ženských hrdinek, sice vzpomíná na Bressona
jako na "nesnesitelného tyrana a pedanta", jemuž by "před kamerou snad nejlépe byli
vyhovovali roboti s plně automatizovaným, bezduchým projevem", nicméně s pomocnou rukou
herce při modelaci postav se zde přece jenom očividně počítá: jejich niterná rozpoložení
alespoň částečně odzrcadluje mimika, gesta i modulace hlasu, elementy, jež budou
napříště této funkce beze zbytku zbaveny. A výpověď, ačkoliv zase směřuje "za" viděné,
k abstraktní úvaze o paradoxních výsledcích lidských záměrů, je vtělena do soběstačného
příběhu s vypravěčsky atraktivní zápletkou. Drama ženy, jejíž pomstou za zhrzenou lásku
mělo být to, že lstivě vmanévrovala svého někdejšího milence do sňatku s dívkou, jejíž
nadmíru pochybnou minulost mu se zlým zadostiučiněním odhalí vzápětí po obřadu (avšak
muž dívce velkomyslně odpouští), vychází z jedné epizody Diderotova Jakuba fatalisty, a
přestože původní tón tragikomické taškařice byl vystřídán vážným, ba chmurným stopováním
narůstající aktivity rozpoutaného zla, vymezení a odůvodnění vztahů zůstává blízké
předloze.
Je tu ovšem jedna zásadní změna oproti výchozímu textu, změna, pro kterou kritika
nemohla najít uspokojující vysvětlení, a proto ji vesměs bagatelizovala: totiž
rezignace na uchování dobové lokalizace, přesazení příběhu do reálií tehdejší současnosti.
Ještě mnohokrát tyto "svévolné" přesuny v čase mátly recenzenty a vyvolávaly vlny
pobouření v táboře Bressonových odpůrců, když obdobně naložil s Dostojevským nebo když
se záměrnou pečlivostí potlačoval historicitu i takových látek jako byl proces s Janou
z Arku nebo jedna z rytířských legend artušovského cyklu. Snad opravdu až později bylo
zřejmé, nakolik jsou taková vyjmutí z dobového kontextu nevyhnutelným důsledkem nikoliv
pouze Bressonovy tvůrčí metody, nýbrž jeho filozoficko-teologické koncepce, považující
za samozřejmé východisko svých spekulací mimo jiné i absolutní nezávislost duchovních
kategorií bytí na konkrétním dobovém vymezení. "Nezajímá mě evokace klimatu rozličných
historických období, zajímají mě lidé, to, co je uvnitř nich a co se nemění," řekl
Bresson na obranu své verze Něžné (1969), a ozřejmil tak lapidárně i cíl
směřování svých dvou prvních filmových pokusů. Jenže tam se tento záměr zatím nevyhranil
natolik, aby potlačil konstrukci v plánu děje a psychologismus v plánu postav, tam ještě
například promluvy měly za úkol individualizovat hrdiny, což Bressona přimělo, aby si k
napsání dialogů dokonce přizval Jeana Giraudouxe (Andělé hříchu) a Jeana Cocteaua
(Dámy z Boulognského lesíka), dva z největších mistrů slova. V Dámách mohl
divák naposledy uslyšet dialog, jenž se blížil zavedeným filmovým konvencím.
Než Bresson realizoval své třetí dílo, uplynulo pět let. Projekt filmu Ignác z Loyoly
(1947) nakonec nenalezl producenta, a tak se Bresson věnoval činnosti teoretické,
jejímž plodem byla spoluúčast na založení kroužku Objectif (1949), společenství, z něhož
se pak rekrutovalo první osazenstvo redakce Cahiers du Cinéma. Těžko říci něco
konkrétního o tom, co znamenala tato léta pro zrání a tříbení jeho tvůrčího názoru, ale
Deník venkovského faráře z roku 1950 byl zjevením nové filmové poetiky,
předvedením ucelené myšlenkové a stylové koncepce režiséra, který se sám, bez předchůdců
(a dodnes i bez následovníků), vydal na cestu za "jiným" filmem. Tímto dílem, ač jím
stanul prakticky teprve na začátku své dlouhé tvůrčí dráhy, završil Bresson období
svého hledačství, naplnil svou představu o pravém "kinematografu", takže vše, co
následovalo, už jenom precizovalo a dále tříbilo postupy, jež zde pro sebe artikuloval
a zároveň pevně kodifikoval. Totéž potvrzují i jeho Poznámky o kinematografu (Paříž 1975),
započaté právě v roce 1950 - tyto gnómicky stručné zápisky, vedené po čtyřiadvacet let,
dokumentují nikoliv vývoj, nýbrž úporné zpřesňování a několikanásobné ohledávání
pracovních metod, které si Bresson hned na počátku stanovil a které pozvolna nabývaly
podoby hermeticky uzavřeného systému. Systému kinematografu (cinématographe), jenž
postavil do ostrého protikladu k filmu (cinéma), který označil za pouhé reprodukční
umění, otrocky používající literární a hlavně divadelní postupy.
Deník venkovského faráře vychází ze stejnojmenné knihy francouzského katolického
spisovatele Georgese Bernanose, a přestože film na první pohled přesvědčuje o pietní
věrnosti románu - jsou zachovány téměř všechny dějové motivy a dokonce celé pasáže textu
jsou citovány beze změny - jeho duchovní spřízněnosti s předlohou je dosaženo právě
opačnými prostředky, než jakých použil autor: Bernanos dojímá vroucností vyprávění,
citovou spoluúčastí na krušném údělu faráře, Bresson strohým, věcným konstatováním,
prostým řazením jakoby náhodně posbíraných fakt vedle sebe, řazením, jež nenese žádné
stopy osobního zaujetí vypravěče. Tady někde se dotýkáme samé podstaty tajemství
Bressonovy tvůrčí metody, s níž se chápe výchozího materiálu, ať už je jím původní
skutečnost anebo, jako většinou, už skutečnost přetvořená interpretačně-stylistickým
gestem autora - Bresson vždy dokáže divákovi vsugerovat, že on (divák) je ve chvíli,
kdy sleduje film, učiněn svědkem událostí a konání lidí v jakési jejich prvotní,
elementární podobě, že je vidí naprosto "obnažené", vyvázané z povinnosti být pouhými
stavebnými prvky pro fabulační kompozici díla. V Deníku nikdy nelze uhadovat, s
jakým záměrem je užito toho či onoho záběru nebo sekvence, kterýkoliv z běžných,
apriorně stanovených dramaturgických požadavků stejně jako důraz kladený na dějovou
kontinuitu zdá se tu být předem vyloučen a sled dění se odvíjí před našimi zraky právě
tak nevyzpytatelně a nesrozumitelně jako před očima faráře, který stojí v jeho středu,
netuše přirozeně, co jej čeká.
Úzkostlivá snaha odstranit sebemenší náznaky inscenovanosti zásada ustavující
Bressonovo pojetí kinematografu, stala se v Deníku, promyšlena a provedena do
důsledků, východiskem totální proměny struktury filmového díla. Hovoříme-li o postavách,
nejde jen o to, že Claude Laydu v roli faráře d´Ambricourta stojí na počátku dlouhé řady
neherců, kteří se svými neznámými tvářemi přicházejí pro Bressona jako jediní v úvahu a
které si vybírá podle toho, jak jejich fyzická podoba (vymodelovaná jejich duší, řečeno
slovy Bressona) koresponduje s jeho představou o postavě, nýbrž především o to, jakou
úlohu mu v kontextu díla přisuzuje. Místo označení "herec" užívá Bresson termínu "model",
jenž leccos naznačuje: je v něm obsažena statičnost, neohebnost, nepřizpůsobivost,
jakási permanentní konzervace toho, co do něho bylo jednou vloženo. Tak tomu také
skutečně je, neboť Bresson zavrhuje psychologismus, odmítá reflektovat závislost
projevů postav na proměnlivosti situací, snaže se tak pokaždé dobrat nepomíjivé podstaty
charakteru člověka. Vybírá si k zobrazení jenom jeden povahový rys, před plnokrevností
dává přednost oklesťujícímu, zdánlivě nepravděpodobnému schématu, avšak hotové dílo nás
vždy přesvědčí, že jeho neústupná jednostrannost je jiného rodu - jeho vybičovaná
úspornost postavy obohacuje, neznamená triviální zjednodušení, ale naopak vyvolává
tušení závratných hloubek lidského nitra, které zůstalo utajeno pohledu diváka. Jedno z
prvních naučení Bressonových Poznámek zní: "BYTÍ (modelů) namísto ZDÁNÍ (herců)," což
lapidárně shrnuje názor, který režisér kdysi obšírněji vysvětlil na jiném místě: "Když
vidím film s herci, jsem vždy k smrti vylekán. Mám pocit, že všechno je grimasa. A nelze
to napravit tím, že se filmují skutečná pozadí. Naopak, tím se všechno ještě více
pomotá, protože spojením pravdivého s falešným je všechno ještě falešnější... Kdybych
mohl dosáhnout od herce to, co chci, nebyl bych si práci takto komplikoval. Jenomže
existuje nepřeklenutelná propast mezi hercem, i když se snaží zapomenout na to, že je
herec, i když se nechce kontrolovat, a mezi někým, kdo není poskvrněn ani filmem, ani
divadlem, kdo je jako surovina, která ani neví, čím je a která vám vydá to, co by
nechtěla jinak vydat nikomu. Stane se z toho tvorba, na které se osoba podílí svým
tělem, svými svaly, svou krví, svým duchem - a stane se součástí vaší tvorby..."
Bresson nechává své modely před natáčením donekonečna opakovat repliky, které mají
pronášet, právě tak jako gesta, jimiž se mají prezentovat, až se pro ně stanou něčím
docela automatickým ("Pravdivost vyvěrá z automatičnosti, která tvoří tři čtvrtiny
našeho života - a nikoliv z něčeho vymyšleného, vyspekulovaného..."), něčím, čím
spontánně reagují na podněty z okolí, aniž by na tuto reakci upozorňovaly diváka
nacvičenou emfází. Obdobně je uzpůsobena i mimika, sošně ztrnulá, neproměnná, zrcadlící
daleko spíše niternou identitu postavy než její souvztažnost s okolním děním. André
Bazin ve svém známém rozboru Deníku venkovského faráře přesně postihuje výsledný
efekt takového zacházení s "modely", snaže se tak čelit vlně tehdejšího neporozumění
těch četných, kteří Bressonův film chápali jako příklad bezradného amatérismu. "Bresson
od nás požaduje, abychom vyčetli z hercovy tváře nikoliv pomíjivý odlesk toho, co říká,
nýbrž trvalost existence, masku spirituálního osudu (...), zaměřil se na ty nejtělesnější
vlastnosti obličeje, jenž téměř nehraje, a i tím se stává výsadním otiskem bytí,
nejčitelnější stopou duše; nic na obličeji se nevymyká vznešenosti znamení. Bresson nám
nenabízí psychologii, nýbrž spíše existenciální fyziognomii (...) Nic relativního se
nemůže přihodit těmto postavám, tak zabředlým do svého bytí..."
Obsahová i intonační neutralita krátkých, často jen několikaslovných promluv postav je
téhož rodu - vyslovené nese punc hlubinného ustrojení postavy a zároveň je pro ni něčím
tak přirozeným jako dýchání, jemuž nemusí být věnována žádná zvláštní pozornost. Stojí
za povšimnutí, co je obsahem pronášeného, je-li slova užíváno s takovou askezí. Nelze
samozřejmě stanovit nějaká přesná pravidla - jedním z nich je například častý protiklad
obrazu a zvuku, kontrast mezi viděným a slyšeným (i pokud jde o zvuky a ruchy prostředí)
nebo nahrazení obrazu zvukem (sdělení pouze prostřednictvím zvuku) - ale překvapí, že
při takové redukci slovního vyjadřování slovo nezřídka strohým tónem (jde zpravidla o
vnitřní monolog postavy) přesně popíše to, co vzápětí (anebo napřed) spatříme na plátně,
že tedy funguje jaksi duplicitně, nepřináší žádné nové (rozdílné) informace (oproti
obrazu). Bresson tím "opakováním" ovšem sleduje jiný cíl, on jím totiž dodává
transcendentální dimenze oněm náhodně sesbíraným a seřazeným úlomkům reality, z nichž
sestávají jeho filmy. Obraz svým uspořádáním předmětné náplně předstírá, že je výřezem
z všední skutečnosti, nikterak signifikantním, ale dostane-li se divákovi "navíc"
popisu toho, nač hledí, začnou se předměty náhle vymaňovat ze své indiferentnosti a
poukazovat na významy, zasuté pod jejich každodenní tvářností. V Deníku (nebo
později v Procesu Jany z Arku, Mušce a Lancelotovi) je tento účinek
o to silnější, že promluvy jsou doslovnými citacemi literárně stylizovaných textů,
žijících si vedle obrazové složky zcela svým vlastním životem.
Kam směřovaly první dva Bressonovy filmy, bylo dovršeno Deníkem: rozpadla se
dramatická stavba díla. To bylo nutným důsledkem jak Bressonova stále vyhraněnějšího
chápání člověka jakožto bytosti osamělé, izolované, do sebe uzavřené, vysvětlitelné jen
zevnitř, tak projekcí této koncepce do zacházení s prvky jednotlivých plánů. Viděli
jsme, jaké důsledky mělo totální odvržení psychologické kresby pro mimiku a gesta
modelů, pro charakter jejich promluv. Ba co více - Bresson nejenže zestručnil promluvy,
ale postupně nahradil dialog monologem, anebo mu alespoň vymezil v díle stejné místo.
To svědčí o jeho nedůvěře v možnost postihnout člověka prostřednictvím vztahu k druhým
- vztah sice existuje v jeho filmech i nadále, i když často osou příběhu je jenom jedna
postava a všechny ostatní jsou spíše součástí plánu prostředí a děje, ale nikdy není
motivován, ozřejměn, vysvětlen, je prostě dán, je něčím, čím nitro postavy přesahuje
ven, avšak co je zpětně nijak podstatně nezasahuje. Farářův život v novém místě není
než trýznivou kalvárií, jíž musí projít, než dospěje k smrti, a každé setkání s
místními lidmi mu způsobuje utrpení, ale Bresson se postaral o to, aby tato postava
hned v úvodních sekvencích zřetelně vyzařovala svůj úděl. Co následuje, ony bolestné
zkušenosti s bližními, je jenom jeho naplněním.
Zjevný Bressonův nezájem o vyklenutí dramatického napětí líčení má svou krajní podobu v
titulu filmu K smrti odsouzený uprchl (1956), který nezastřeně hlásá, že ať
budou dějové peripetie jakékoliv, příběh krutě vyslýchaného vězně v nacistickém žaláři
skončí jeho zdařilým únikem na svobodu. Ostatně ani Proces Jany z Arku (1961)
nenechá diváka na pochybách o vyústění filmu (navíc v záběru ještě před titulky
spatříme matku Jany žádající o rehabilitaci své dcery) a stejnou příčinu má i
"prozrazení" point v úvodních záběrech několika dalších Bressonových děl: Něžná
(1969) se otvírá pohledem na sebevražedný skok hrdinky, v Lancelotovi (1973)
jedna žena tomuto rytíři věští smrt, sotva se mužovi zjeví na plátně, ve filmu
Pravděpodobně ďábel (1976) spatříme nejprve novinové fotografie s tělem mrtvého
chlapce... Jako by tak Bresson nejen chtěl dát jasně na srozuměnou, že u něho se
dramatičnost odehrává v docela jiné rovině, ale jako by naznačoval, že on sám jenom
zaznamenává to, co se odvíjí výlučně podle svých vlastních zákonitostí, nepoddajné vůči
jeho případným troufalým zásahům. Co však nahrazuje v jeho filmech ono veledůležité
dramatické tmelivo, jež se rozpustilo pod přívalem drobných dějových úlomků? Nelze
souhlasit s těmi Bressonovými vykladači, kteří soudí, že dramatický princip byl u něho
vystřídán epickým, neboť epiku vymezuje kauzalita v řetězení fakt, hledání a rozkrývání
souvislostí jevů, jež jsou pevně zakotveny v určitém prostoru a čase, tedy přesně to,
čemu se Bresson úporně vyhýbá. Nikdy nevysvětluje, protože to už by se podle něho
rovnalo vnucování vlastních výkladů tam, kde má skutečnost "přistižená" v nestřeženém
okamžiku vypovídat sama, ba nezřídka docela zamlčí příčinu anebo alespoň převrátí
pořadí příčiny a následku, ponechávaje mezi nimi co největší rozestup. ("Přivykni
diváka tomu, aby povahu celku vytušil z jedné jeho malé částečky, kterou mu předložíš.
Přiměj lidi, aby uhadovali. Aby si přáli uhadovat.")
Ovsem Bressonem opakovaně proklamované nezasahování do prvotní tvářnosti snímané reality
má v jeho metodě svůj protipól v tom, jak si počíná při výběru toho, co z ní ukáže:
tady platí zákon přísné selekce, tady neváhá "násilnicky" prosazovat svůj osobitý úsudek
o tom, které jevy a momenty jsou s to ze sebe vydat utajený smysl. Smysl navíc žádoucí,
podléhající řádu jakéhosi poselství, které Bresson pokaždé zašifrovává do svých filmových
děl. Čím déle totiž hledíme na jeho film, čím déle před námi defilují podivně inkoherentní
motivy a výjevy vybrané z každodenního života jeho postav, tím více je zřejmé, že
neslouží jen navození hodnověrné iluze lidské existence, nýbrž že se vzpínají k čemusi
"za" tím, co vnímáme smysly, že se dovolávají schopnosti naší myšlenkové abstrakce a že
teprve nutkání sledovat Bressonovu ideu ozřejmuje zpětně, proč právě ony byly zvoleny.
Je to tedy tento "třetí rozměr" snímaného, tato těsná vazba konkrétní předmětné náplně
záběrů na obecné významy, co v Bressonově případě nahrazuje dramatický i epický princip,
co spojuje jednotlivé, navzájem nepropojené a nesouvisle řazené dějové epizody v jeden
celek. K těmto závěrům dospívá rovněž americký teoretik a filmař Paul Schrader ve své
studii Transcendentální styl ve filmu (1972), když na příkladech vybraných z celého
Bressonova díla demonstruje jeho pevnou zakotvenost v klasické kultuře, jež měla ambice
prostředkovat člověku výhradně problémy univerzálního rázu a jež tomuto nesnadnému úkolu
byla schopna dostát díky dokonale propracovanému a zažitému teologicko-estetickému
systému. Schrader (i četní další) přesvědčivě dokládá, nakolik klíčové jsou u Bressona
pojmy zacílené na duchovní sféru bytí jako například integrita, osobnosti, vůle, víra,
dichotomie těla a duše, milost, zatracení... Poukazuje na jeho hodnocení sebevraždy, na
inspiraci byzantskou ikonografií... Na to pochopitelně bezprostředně navazuje i
tematizace celých dalších okruhů problémů: neslučitelnost rozumu a citu, svár dobra a
zla, jedince a světa, hledání nadsmyslna, nevyzpytatelnost božího úradku, osudu...
Přítomnost takových kategorií, latentní již v prvních dvou filmech, se stala zřetelnou
v Deníku venkovského faráře. Bazin si ve svém rozboru nemohl nepovšimnout, že
osud ďAmbricourta má styčné body s biblickým líčením utrpení Kristova a že tato
souvztažnost nenásilně povyšuje farářovo pozemské strádání do roviny obecně platného
symbolu o životním údělu, který si každý jako svůj kříž vláčí na svých bedrech. I
kterýkoliv z následujících Bressonových filmů se takto přímo před našima očima proměňuje
v disputaci, používající terminologie křesťanské filozofie k tomu, aby stále znovu, z
nejrozmanitějších úhlů pohledu byla zkoumána spletitost a záhadnost existence člověka.
Dlužno poznamenat, že orientace diváka v této terminologii či systému není ovšem
podmínkou k pochopení Bressonova díla, obohacuje je sice, ale i bez ní nás na něm
vzrušuje neúnavné prahnutí pojmenovat alespoň zlomek toho, co přesahuje naši fyzickou
limitovanost.
Film K smrti odsouzený uprchl (1956), realizovaný opět po šestileté pauze,
vznikl podle zápisků Bressonova krajana, účastníka hnutí odporu Andrého Dévignyho
(vydaných knižně v témže roce, kdy byl natočen film), v nichž vylíčil svůj útěk z
nacistického vězení, kde měl čekat na vykonání rozsudku smrti. Je příznačné, že Bresson
přizval Dévignyho ke spolupráci na natáčení, že podle jeho pokynů přesně rekonstruoval
celu v pevnosti Fort Montluc poblíž Lyonu, která za války Němcům skutečně sloužila k
těmto účelům. Ale přes úzkostlivou péči o autenticitu detailů, přestože filmový hrdina,
poručík Fontaine, je rovněž činný v hnutí odporu, nehrají tu tyto příznačné dobové
reálie nadále pražádnou roli. Ještě před titulky se objeví celkový pohled na Montluc,
pak ale, jako by se v drtivé většině záběrů kamera identifikovala s očima Fontaina,
omezí se na skrovné výseky charakteristického interiéru žaláře, evokuje jednak jeho
pochmurnou stísněnost a jednak vnímání Fontaina, který uprostřed skličujícího
stereotypu vězeňského života náruživě, soustředěn celou svou bytostí, pátrá po
možnostech a prostředcích, jež by mu dopomohly k útěku. Nejde tu o zobrazení německé
zvůle a násilí - vojáci, dozorci i brutální vyšetřovatelé jsou jen součástí prostředí,
nezapamatujeme si jedinou z jejich tváří, spíše uniformy, zbraně, příznačná gesta.
Nejde ani o napětí, pramenící z očekávání výsledku Fontainova konání (i když je tu
přítomno navzdory titulu): co se dovolává divákovy pozornosti, co je skutečným tématem
filmu, je triumf nezlomné Vůle, jež se dokáže prosadit i v těch nejnepříznivějších
podmínkách. Vlastně všechno v tomto filmu se váže k Fontainově usilovné a trpělivé
práci na útěku, práci, která dovede důmyslně využít i oněch minimálních prostředků, jež
skýtá vězení. Proto se donekonečna opakují záběry na lžíci, pozměněnou v nástroj, na
splétání provazu, na povolující výplň dveří, na průhledy do větrací šachty. Proto se
mnohé dění ve zdech věznice opíše elipsou, zatímco se zdůrazní nepatrný dějový detail
související s Fontainovou přípravou na útěk. Nezáleží na objektivních proporcích
skutečnosti, nýbrž na postižení toho, jak vším prostupuje a vše si podmaňuje vypjatá
Vůle. "Chtěl jsem ukázat, jak nad vězením spočívá neviditelná ruka, jež určuje, co se
stane" - tento Bressonův výrok, daný do souvislosti s podtitulem filmu ("vítr vane,
dokud chce"), jenž je citací Kristova rozhovoru s Nikodémem z evangelia, opět zřetelně
poukazuje na další možnost interpretace tohoto díla. Fontaine je v ní vyvolencem boží
milosti a protože pochopí tuto privilegovanost a dokáže jí využít pro sebe i pro druhé
(zachrání i spoluvězně Josta), nemůže být poražen. Ať už zázrak, který se rozklenul nad
Fontainem, byl důkazem boží přítomnosti anebo potvrzením nezměrné síly lidského ducha,
i Michel, hrdina dalšího Bressonova filmu Kapsář (1959), jako by jednal v zajetí
principu, který se vymyká jeho chápání i kontrole. Je posedlý podivnou a nebezpečnou
vášní krást a není v jeho moci ji potlačit, ba ani nemoc a posléze smrt matky, kterou
má rád, jej nedokáže vyvést z uvěznění ve fiktivním světě, v němž žije. Nemá žádnou
jinou motivaci pro své kapsářství než intelektuální vzrušení, jež při jeho provozování
zakouší. Požitek z dokonale promýšlených plánů krádeží, ze svého postřehu, ze souhry
svých rukou, z rizika a z okamžiků napětí i strachu. Jako Fontaine i Michel vnímá své
okolí výhradně z perspektivy svého zájmu, nestaraje se příliš o jeho reálné proporce.
Fontaine vidí jen detaily předmětů, které mu mohou posloužit k útěku, a kamera v
blízkých záběrech přihlíží jeho minuciózní práci, při níž by sebemenší chyba byla
osudnou. Totéž platí i o činnosti Michela, a proto je tu rovněž totalita objektivní
skutečnosti nahrazena v mnohých sekvencích skladbou detailních záběrů, evokujících zde
magický rituál krádeže: nenápadné vyhlížení obětí, přesné pohyby rukou, kradmé hmaty do
kabelek a kapes, pátrání po možnostech rychlého úniku...
Snad nikde dříve nebyla u Bressona tak patrná spojitost (či spíše závislost) reality,
stvořené na plátně, s tím, jaká duchovní poselství má zprostředkovat, jako právě v
Kapsáři. V předchozím filmu se sice také stěží dalo hovořit o fabuli, ale
redukce zřetelné kauzality a dějové kontinuity mohla být částečně odůvodněna specifikou
nepřirozeného prostředí, jakým bylo vězení. V Kapsáři však absence tradičních
atributů dějového plánu nutí diváka k přeostření pozornosti na významovou rovinu díla,
jež by teprve zpětně spojila a ozřejmila fragmentarizované, nesouvislé výjevy na plátně.
Nelze se ubránit nalézání analogií s dílem Dostojevského, zvláště silným v případě
Kapsáře, kde Bresson velmi volně a vzdáleně parafrázuje Zločin a trest: nejenže
strukturace Dostojevského próz i Bressonových filmů osciluje mezi filozoficko-teologickým
traktátem a uměleckou fikcí, tady konkrétně je Michel, opilý svou neomylnou hrou, svými
duševními schopnostmi, podoben zpupnému Raskolnikovi s jeho zvrácenými intelektuálními
spekulacemi. A stejně jako on, nabývá Michel paradoxně svobody až tehdy, když ji ztrácí
- ve vězení, kde se jeho duch může konečně vyprostit ze sevření zhoubnou vášní a nalézt
spočinutí (pocítit milost) v lásce k milující bytosti (dívce Jeanne, která mu předtím
nepovšimnuta mnohokrát zkřížila cestu).
Zatímco význam Kapsáře v kontextu Bressonovy tvorby nebyl dobovou kritikou
pochopen, o hodnotách Procesu Jany z Arku (1961) se vyjadřovala s jednoznačným
uznáním. Jde o téma, k němuž mají Francouzi pochopitelně specifický vztah a které se už
vícekrát stalo podkladem pro filmová zpracování, z nichž nejslavnější asi zůstane
Dreyerovo Utrpení Panny Orleánské (1928), jeden z nejkultivovanějších příkladů
poetiky němého filmu. Bresson však s důsledností sobě vlastní potlačil dosavadní
konvence v zacházení s touto látkou už tím, když zavrhl veškeré legendární verze Janina
osudu a za jediný pramen si zvolil dva dobové písemné dokumenty: akta z vlastního
procesu a záznamy o Janině rehabilitaci, jež se uskutečnila pětadvacet let po její
smrti: "Ve svém Procesu Jany z Arku jsem se pokusil vyhnout se "divadlu" i "kostýmní
maškarádě" a vyslovit nadčasovou pravdu prostřednictvím historických slov a výroků."
Jeho pětašedesátiminutová "zpráva o případu Jany" se opravdu v ničem nepodobá klasické
historické podívané, počínaje už radikální eliminací dobových rekvizit - do paměti se
vryjí okovy na rukou Jany, její mužský šat, ponuré kouty vězení, tíživá atmosféra
dogmatického myšlení u soudu, pohled na tělo přivázané u kůlu na hranici... tedy detaily,
dějové i předmětné, jež stojí na rozmezí historické autenticity a obecně, nadčasově
platného (a srozumitelného) symbolu a jež tak vyprošťují Janin osud nenásilně zpod
příkrovu dávné minulosti a poukazují k jeho aktuálnosti. Mladičká Jana je silná skrze
svou víru a svou fantazii, která je zdrojem její duchovní nezávislosti, skrze svou
přirozenou potřebu žít autentickým životem; proti ní stojí Moc a Dogma, stvrzující svou
vládu zákony a rituály, Násilí, jemuž lze uniknout jedině tak, že mu člověk obětuje
svou tělesnou schránku. Jestliže jednou z klíčových idejí Bressonových filmů je
existence člověka mezi svobodou a determinovaností, myšlenka, která, jak ve své studii
vysvětluje Schrader, má svůj původ v křesťanské (a vlastně už v Platónově) dichotomii
duše a těla, pak v Procesu Bresson sestupuje až k tomuto prvotnímu východisku:
tělo se pro Janu stává vězením, a proto neváhá podstoupit smrt. Exemplární je toto dílo
rovněž z hlediska paradoxnosti účinku Bressonovy tvůrčí metody, která absolutizuje
význam autentické, "neinscenované" předsnímací reality a přitom směřuje k ryze
abstraktní úvaze - v Procesu totiž, drže se úzkostlivě oněch dvou historických
materiálů, promlouvá Bresson o pojmech a kategoriích, jež se vzpírají jakémukoliv
časovému zařazení. "Odpoutávaje se od spisů, je však tento film svou strukturou,
střihem, koncepcí prostoru a času sám takovým spisem: slova a ideje jsou jeho vlastním
obsahem. Jeho výrazové elementy - obraz a zvuk - jsou jenom zástupnými znaky
myšlenek..." (Stefan Schrader).
Film A co dále, Baltazare z roku 1965 je tak trochu výjimkou v Bressonově
filmografii. Nejenom tím, že při psaní námětu a scénáře se tentokrát poprvé neuchýlil k
žádným inspiračním zdrojům, ale především proto, jaká je vnitřní strukturace tohoto
díla. Náhle je tu opuštěna striktně dodržovaná zásada jediné hlavní postavy a jejich
počet se rozšíří jako nikdy předtím ani potom. A dále dobové souvislosti, ač pečlivě
přetaveny působením Bressonova pohledu, se neomezují na mlčenlivou hru předmětů,
zasazujících vždy dění do příslušné doby jen velmi symbolicky, nýbrž spolupodílejí se
aktivně na formování osudů postav.
Jako by tu Bressonova teorie "modelu" dospěla ke svým nejzazším možnostem - Baltazar,
jehož bědnou pouť od narození až po smrt sledujeme, je osel. Biblické zvíře, symbol
pokory a utrpení, němá tvář s velkýma očima, které přihlížejí podivnému, nevysvětlitelnému
hemžení lidí kolem něho. Netečně a snad i s účastí, tak jako Bressonova kamera, jež tu
vrší zlomky událostí a letmo zaznamenává jednání a reakce, které jako stěží
rozluštitelné hieroglyfické znaky utajují neuchopitelný niterný svět svých původců.
Bressonova metoda se tentokrát jeví vyzývavější a asketičtější o to více, že se jedná o
stravující vášně, neovladatelné city, temné, destruktivní pudy, o spletité předivo
vztahů, rozestřené mezi lidmi, kteří se zdají mít k sobě dále než celé vesmírné galaxie.
Co poutá dívku s mýtickým jménem Marie, jež je vedle Baltazara výrazně prvoplánovou
postavou, křehkou a senzitivní, k surovému a cynickému Gérardovi, jemuž je slepě oddána?
A jak je možné, že smyslnost tohoto násilníka dráždí právě ona? A proč Marie, zraňovaná
vulgárností svého okolí, odmítne ušlechtilý cit Jacquesa, své dávné lásky z dětství?
Proč se oddá starému, skrblickému zpustlíkovi? Kam nakonec beze stopy zmizí, na jakou
cestu se asi vydává? A jakou postavou je vlastně Mariin otec, místní učitel, který
propadl nevyléčitelné zahořklosti? Je to hrdý člověk pevných mravních zásad anebo (jak
naznačí Marie) ješita libující si ve svém bolestínství? A je snad výrazem
mateřsko-erotické neukojenosti, že majitelka pekařství zahrnuje Gérarda nepochopitelnou
přízní? A odkud spadlo na ubohého opilce a tuláka Arnolda nečekané dědictví? O tom všem
se lze pouze dohadovat, vyslovovat podmínečné soudy... Stále se tu neodbytně vynořuje
analogie s kosmickými dimenzemi, neboť odpovědět na otázku, zda principem bytí
předváděného lidského společenství je chaos či nějaký skrytý řád, zdá se být v obou
případech za hranicemi možností člověka.
Jedinou konstantou, nevyvratitelně jestvující kvalitou je v Baltazarovi zlo, postupně
všepronikající a všeovládající, zlo jakožto dynamický element, nemající žádnou stejně
silnou protiváhu. To je skepse u Bressona nebývalá, protože i tak očividný triumf zla,
jakým je finále Procesu Jany z Arku, byl jenom iluzorní. Tady je vedle jiných
postav jeho nositelem a šiřitelem především Gérard, rozdávající brutální rány na
všechny strany, aniž by sám byl čímkoliv zasažen, ba ani oddanost něžné, bezbranné
Marie jej nedokáže vnitřně nahlodat. Naopak, on jako by její bytost vyrval z kořenů a
pak ponechal napospas divým vichrům světa... Není jistě náhodou, že právě tohoto
absolutně negativního hrdinu Bresson, který se, jak ještě uvidíme později, hořce a
sarkasticky vysmívá všemu, co je nazýváno tzv. "civilizačním pokrokem", obklopuje
atributy moderní doby: se svou koženou bundou, motorkou a věčně puštěným tranzistorovým
rádiem (i v nejintimnějších chvílích s Marií) je Gérard dokonalým dítětem své doby -
postrádající sebemenší známku osobitosti, s bezduchou, jen drze vyzývavou tváří,
přicházející odnikud a patřící nikam. Tak se totiž jeví na pozadí tradičního
venkovského společenství, i když i ono už nese stopy postupujícího rozkladu.
Jenom Baltazar, odstrkovaný a trýzněný, obstojí. Je zvláštní, že ač je divák v tomto
filmu učiněn svědkem tolika příkoří a utrpení, opravdu hluboce jej dojme jen osud
tohoto zvířete. Pokora, kterou ztělesňuje, zůstává pro Bressona neotřesitelnou
vykupitelskou silou, ryzí hodnotou, zakládající mravní Řád a poukazující ke smyslu
existence i navzdory svíravému tlaku Chaosu.
V nezvykle krátkém intervalu jednoho roku má Bresson hotový další film, Mušku
(1966), příběh čtrnáctileté dívky, dohnané životní kalvárií až k sebevraždě, který opět
nalezl u svého duchovního spřízněnce Georgese Bernanose. Pochmurností tónu toto dílo
snad ještě předčí Baltazara - zase se tu ve světě zcela bez omezení prosazuje
zlo a bezbranná oběť je mu vydána na pospas. Strašlivé doupě kdesi na venkově, v němž
Muška bydlí se svou umírající matkou, plačícím kojencem, opileckým otcem a starším
bratrem, tvrdá dřina, posměch a opovržení ve škole, znásilnění epileptickým pytlákem...
to je matérie, vybízející k naturalistické studii anebo vypjatému melodramatu.
Bernanos, jenž situuje své líčení do třicátých let a velmi konkrétně je zasazuje do
drasticky bědného prostředí tehdejšího Španělska, částečně přiznává oprávněnost oběma
těmto žánrům, částečně se opírá o psychologický rozbor postav, a tyto metody posléze
sjednocuje a povyšuje interpretací hluboce věřícího katolíka. Bresson jako obvykle ruší
dobovou a místní vymezenost ("Film odstraňuje minulost. Natáčím vždy v přítomnosti...
Nemám žádný důvod vracet se do minulosti: bída alkoholismu - to všechno je stejné..."),
ruší distanci, kterou s sebou implicitně nutně nese uplatnění jakéhokoliv žánru, a zase
diváka staví před strohý, lineárně a chronologicky řazený sled faktů, před útržky dění,
zaznamenané v jejich realistické, přirozené jednoduchosti. Jedna sekvence filmu předvádí
štvanici na zajíce, epizodu, která je nesporně dokonalým příměrem údělu Mušky, avšak
Bresson ji do kontextu svých pozorování vsadí s takovou bezvýrazností, že se jeví jenom
jako nahodilý detail kresby prostředí a její hlubinný význam, její expresivní náboj
zapůsobí až v rovině nevědomí. Na důsledek zásadního odvržení všech fabulačních pravidel
ukazuje zajímavý postřeh V. Božoviče, týkající se finální scény filmu, Muščiny
sebevraždy. V rukou jiného režiséra by tento příběh musel zákonitě spět k takovému
vyvrcholení a divák by je nutně očekával, tvrdí Božovič, u Bressona do posledního
momentu nepředpokládáme toto šokující vyústění. Muška, sledovaná neúčastným okem kamery,
bez jediné pohnutky, zračící se ve tváři či v gestech, se několikrát kutálí dolů ze
svahu, zavinutá do bílých šatů, které jí půjčila sousedka na pohřeb matky. Možná, že se
tak mlčky mstí za trpěná příkoří, možná se tak prostě baví ve své nekonečné osamělosti.
Skutálí se dvakrát, třikrát, se stejnou vehemencí, stejně mechanicky a najednou
přepadne přes stráň do malého rybníčka... Jako by se připouštěla i jistá možnost
nezáměrnosti, náhlého nápadu, impulsu - o to svíravější je ovšem naše hořkost nad
krutostí světa, nad utrpením nevinných.
V Mušce Bresson poprvé ukazuje svět bez Boha, beze stop jeho konejšivé milosti
(obestírající Baltazara alespoň v hodině smrti), bez záblesku naděje (skryté ještě i v
Mariině vykročení do neznáma). Není asi pouhou shodou okolností, že o tři roky dříve
tentýž trýznivý pocit demonstroval Ingmar Bergman v Mlčení (1963). Filmový
tvůrce, který se vedle Bressona snad nejsoustavněji obírá mravními kategoriemi bytí,
který pátrá v transcendentní rovině po jeho smyslu a který se rovněž jako Bresson po
léta nepřestával zabývat otázkou o povaze vztahu mezi člověkem a Bohem. Dospěl k
poznání, že propast mezi nimi je už nadále nepřekročitelná, vydal se odvážně
nevyšlapanou cestou, aby definoval novou kvalitu lidské existence. I Bresson, u něhož
je sepětí s teologickou naukou evidentně těsnější a zásadnější než u Bergmana, jako by
počínaje Muškou rezignoval na hledání otisků božích principů v pozemském
přebývání člověka a perspektiva jeho pohledu nabyla na světskosti. Napříště jeho
hrdinové budou osamělci jako dosud, ne však silní jako Jana (Proces Jany z Arku)
nebo Fontaine (K smrti odsouzený uprchl) či vnitřně smíření jako farář (Deník
venkovského faráře), ba ani ne živočišně draví a lhostejní jako umí být Muška -
nýbrž zoufalí, bezmocní, slepě tápající, nenacházející jedinou oporu ani ve vnějším
světě, ani uvnitř sebe samých. Dva roky natáčí Bresson Něžnou (1968-69), v
krátkém intervalu nato Čtyři noci snílka (1970), dva filmy inspirované
stejnojmennými novelkami F. M. Dostojevského. V Něžné poprvé sáhl k barvě (při
níž už nadále zůstane) a v obou případech shodně přenesl příběh do dnešní Paříže. Mnozí
s napětím očekávali, jak dopadne Bressonovo střetnutí se současností, jejíž konkrétnost
byla vždy dříve obcházena neurčitou scenérií odlehlých míst, nakolik spekulativní se
bude jevit jeho metoda tváří v tvář důvěrně známým reáliím. Odpůrcům se zdálo, že
selhal, i někteří přívrženci byli na rozpacích, ale s odstupem času a s tím, jak
přibývaly další filmy, je zřejmé, že je neadekvátní poměřovat Bressona kritériem
povrchní věrohodnosti a že smysluplnější bude zkoumat, zda i tady dokáže postavit
diváka před jitřivou myšlenku, donutit ho, aby v každodenní skutečnosti začal
objevovat skryté významy.
V Něžné ani ve Snílkovi nejde Bressonovi rozhodně o postižení atmosféry
dnešní Paříže. Části ulic, provoz na silnicích, výlohy obchodů, interiéry domů a bytů,
záběry na různá prostranství a zákoutí Paříže, zaznamenané s pedantickou starostlivostí
o jejich autenticitu, vzbuzují podle Bressonova záměru dojem fádního, obyčejného,
vlastně nevnímaného prostředí (tak jako ani my nevěnujeme zvláštní pozornost místům,
kudy denně procházíme), jsou zástupnými znaky Velkoměsta, jeho chaosu, anonymity,
netečnosti, cizoty, náhodných setkání, překvapení... Oč bezvýznamnější se snaží být
tato kulisa, o to intenzivněji prorůstá paradoxně plánem postav i děje a stává se
nevyčlenitelnou součástí filmového sdělení. Právě v takovém velkoměstském Babylónu se
Něžná může provdat za zastavárníka, muže zcela protikladného charakteru, a prožít s ním
vztah naplněný naprostým vzájemným neporozuměním. Něžná se svou intuicí a nejasnou
mladistvou touhou "po něčem velkém a neohraničeném" a muž, volající po naplňování řádu
a povinností, dožadující se "jistého, pevného štěstí". A právě v takovém prostředí musí
její revolta proti skrytému, avšak všudypřítomnému duchovnímu násilí vyústit v tragické
sebedestruktivní gesto. Ona všeobecná atmosféra manipulace rozkolísává i základní
jistoty a naleptává integritu osobnosti, otupuje vůli projevovat se v různých životních
situacích celistvě. Proto Něžná někdy jedná, "jako by nevěděla, co vlastně chce" - je
zachvácena touž chorobou a její sebevražedný skok je buď vědomým vykoupením z tohoto
krušného živoření anebo trestem za její metafyzické provinění.
Ve skutečnosti téma "nemožnosti komunikace", jež je jedním z klíčových pro umění
šedesátých let, neznamenalo novou myšlenkovou orientaci u Bressona, jak se dočteme v
dobových materiálech o Něžné, neboť u něho je tento fenomén pevně začleněn do
ideového systému už od prvopočátku. Hned v Andělech hříchu se obě dívky ve svém
usilování fatálně míjejí a tento motiv lze jako červenou nit sledovat od filmu k filmu,
přičemž Bresson začasté vychází z hluboce vkořeněné tradice této myšlenky v náboženském
myšlení, kde se pochopitelně projektuje do vztahu mezi člověkem a Bohem. Bylo-li v
souvislosti s Bressonem tak nadužíváno označení "jansenista" s poukazem na asketickou
strohost a chladnost jeho stylu, pak daleko spíše se tato kvalifikace vztahuje ke
způsobu jeho nazírání lidského bytí, jelikož Bresson shodně s Jansenovým učením mimo
jiné vyznává "absolutní skrytost Boha, jenž člověku nikdy zřetelně nezjeví svou vůli,
jenž mu může v kterémkoliv okamžiku odejmout svou milost a uvrhnout jej do hříchu..."
V Něžné však, pravda, má Bressonova rozprava na toto téma onen daleko
"světštější" charakter a jindy sofistikovaně zastřené traktování je zde nahrazeno jasně
čitelným schématem. Nicméně Něžnou, i s odhlédnutím od předlohy, cítíme jako
drama vypjatých emocí a člověk se i při všem respektu k Bressonovi neubrání dojmu, že
jeho vůle po modelovém zvládnutí tématu tu občas rušivě koliduje s přirozenými a
nevypreparovatelnými vlastnostmi výchozí matérie.
Čtyři noci snílka, shrnuto do jedné věty, jsou také o vzájemném míjení dvou lidí,
o nenaplněnosti jejich citů, o strašné osamělosti, ale na rozdíl od Něžné a jejího muže
ani Marta ani Jacques nejsou nuceni v opakovaných střetáních zažívat bolestnou
konfrontaci snu a skutečnosti. Dívka myslí jen na svého milence, jenž jí před rokem
přislíbil návrat, a Jacques se zcela pohrouží do své lásky k ní: pro oba se jejich
iluze a utkvělé představy, které si vysnili, stávají reálnějšími než realita sama, není
pro ně více rozporu mezi tím, co cítí a tím, co prožívají. V takovém stavu vytržení,
obklopeni zvláštní milostí, zároveň vnímají i nevnímají svět kolem sebe, který
poznenáhlu pro ně a skrze ně i pro diváky začne ztrácet své skutečné proporce a
proměňovat se v symboly jejich vnitřního rozpoložení. Zase nejde o Paříž, nýbrž o
zlomkovité konkrétnosti prostředí: hučící šňůra aut na Pont Neuf je neproniknutelnou
bariérou, jež dělí dvojici od všech živých bytostí, osvětlená loď plující po Seině je
přízrakem štěstí, které se mihne před očima a neodvratně zmizí v dálce, schody, po
nichž stoupá Jacques k bytu Martiných přátel, aby předal její dopis milenci, vnímáme
jako stupně vedoucí Jacquesa neúprosně ke zřejmé porážce... Bresson tu vůbec poprvé
rozšířil přísnou chronologii v řazení faktů o dvě reminiscence (které vsak v jeho pojetí
příznačně neprohlubují psychologii postav, nýbrž mu poslouží ke kondenzovanému, ještě
abstraktnějšímu vyjádření myšlenky, již ve volnějším rytmu tematizuje celý tento film),
jinak ovšem obvyklými prostředky rafinovaně potlačuje důležitost kategorie času i
prostoru. Duše uvězněné ve svých obsesích stěží vnímají střídání dne a noci...
polodetaily oken, rámů dveří, prostých předmětů denní potřeby apod. se nevztahují k
ničemu jinému než k postavám, přesněji řečeno k pojmům, jež reprezentují. Ve Čtyřech
nocích se rovněž podivuhodně ozřejmuje účinek Bressonova zaměření na nejvšednější
gesta, na bezvýznamný, tisíckrát opakovaný úkon - právě ten totiž, je-li mu věnována
bezvýhradná pozornost, má schopnost nabývat hlubšího smyslu a vyjevovat tajemné
zákonitosti bytí (v bezděčném gestu, s jakým si Marta obléká noční košili, zrcadlí se
intenzita jejího milostného citu stejně naléhavě jako v napětí jejího těla objímaného
milencem). Osamělost, čekání, marné spěni za naplněním touhy, niterné uvěznění,
náruživost, život na hranici snu a skutečnosti, paradoxnost bytí, nesoulad rozumu a
citu... všechny tyto motivy minulých filmů najdeme ve Čtyřech nocích snílka.
Jenže poprvé (a naposledy) zde nemají onu pro Bressona příznačnou takřka nesnesitelnou
drásavost - jako by vše bylo ponořeno do milosrdné temnoty noci, zastřeno lehkým závojem
nostalgie.
Lancelot od Jezera (1973), dávný Bressonův projekt, hotový téměř po dvě
desetiletí ve scénáři, film přerušující náhle jeho díla situovaná do současnosti, znovu
výmluvně doložil, nakolik je pro tohoto režiséra irelevantní, jaký časový rámec si pro
svou nadčasovou kontemplaci zvolí. Lancelot není historickým filmem, natož pak rytířskou
podívanou, jak by napovídala skutečnost, že těží z okruhu slavných artušovských legend.
Je symptomatické, co z nich Bresson vybírá: nikoliv hrdinské skutky, jež jsou zde
přirozeně těžištěm četných líčení, nikoliv třeba Percevalovu udatnou a úspěšnou výpravu
za svatým Grálem, nýbrž hledání Lancelotovo - beznadějné, strastiplné, zaplacené mnoha
životy, jevící se posléze jako nesmyslné spění za něčím, co neexistuje. Co je jen
výplodem fantazie a sublimovanou podobou společenské konvence, která bezostyšně
disponuje lidským materiálem. Ono selhání, nedosažení, nezjeveni se absolutna, po němž
Lancelot a jeho druhové prahnou, není jen existenciálním podobenstvím o slepém tápání
dnešního člověka, kterému jsou stejně násilnicky zvenčí určovány životní formy i hodnoty,
neboť právě tak lze toto tragické neuspění dešifrovat i v systému Bressonovy teologické
interpretace - jako mlčení Boha, jako odepření milosti, jako vydání člověka vplen zmaru
a zániku, bez poskytnutí sebemenšího východiska. Takto nahlíženo, brnění, jež tu rytíři
takřka nesvléknou a za nímž vlastně jen tušíme jejich fyzickou podobu (tento záměr
sledují četné detaily na jednotlivé kusy výzbroje a záběry na postavy, jejichž tvář je
nad horním okrajem obrazu), je jakousi materializací vnucovaných konvencí a rituálů a
zároveň symbolem uvěznění duše, posedlostí vidinou, která je naléhavější než pravda
skutečného života. Rytířské cti obětuje Lancelot to nejcennější, co má - lásku Ginevry,
vztahy uměle vytvořené rytířským kodexem mravnosti staví proti sobě ty, kteří pociťují
vzájemné sympatie - Gauvaina a Lancelota, jejich taktické zneužívání v rukou těch, kteří
touží dosáhnout moci, je příčinou mnohonásobného zabíjení - Mordredovy intriky zaviní
smrt Gauvaina a posléze i Lancelota a dalších Artušových rytířů. Není rozporu v tom, že
dosud Bressonovi imponovala niterná posedlost ideou, třeba i sebedestruktivní
prosazování vůle k provedení záměru, k uskutečnění iluze, neboť v případě Fontaina,
Jany, Něžné či Jacquesa tato vůle byla výrazem jejich niterné svobody, nezávislosti na
okolí, nesmířenosti s vnucovaným údělem, jedním slovem kondenzací jejich individuality.
Avšak rytíři přijali za svou vůli vnucenou z vnějšku, "oficiální" ideály a morálku a v
jejich jménu svou individualitu naopak potlačili, proto musí skončit tak děsivou a
totální porážkou, jakou Bresson předvádí ve velkolepé scenérii zkázy v prologu a
epilogu filmu.
Jakkoliv prvoplánové je v Lancelotovi vedle tématu hledání nadsmyslna a zřeknutí
se lásky i téma společenské manipulace a násilí, dokáže se Bresson pevně držet svých
režijních zásad. Výpravnost a dramatičnost látky je potlačena, motivy jsou organizovány
tak, aby se divák zaměřil nikoliv na příběh, nýbrž na mnohanásobně komplikované vztahy
mezi osudy postav. Proto i tady je obraz prostředí důsledně fragmentarizován - zase
úzce ohraničené pohledy na dveře, okna, schody, na lože v komnatě Ginevry, na ostruhy
koní, na jejich cválající nohy... jako by tyto jednotlivosti jaksi mimochodem, bez
zvláštního zájmu, registrovaly oči přímého účastníka dění a nikoliv toho, kdo aranžuje
scénu před kamerou. A jako by - jako kdysi v Procesu Jany z Arku - se tím rušila
časová distance mezi legendárním dávnověkem a dneškem. V dějovém plánu pak této
střídmosti odpovídá eliptické vyjadřování, přičemž, tak jako vždycky u Bressona, tyto
rozsáhlé výpustky děje se neuplatňují jen v sousedství za sebou jdoucích sekvencí, ale
uvnitř nich samých: rytíři, hledající Lancelota, vyjedou ze záběru a vzápětí se do něj
v obráceném směru vracejí... všechno, co se odehrálo mezi tím, si musíme domyslet.
V díle Pravděpodobně ďábel (1976), které opět znamená obrat k současnosti,
pokusil se Bresson při striktním zachování metody nebývale rozšířit úhel svého pohledu
na společenskou problematiku. Má sice tvořit jen pozadí k individuálnímu osudu
dvacetiletého Charlesa, nicméně konkrétnost úvah o úkazech, svědčících o soumraku
civilizace, i prostor, jenž je jim věnován, do značné míry narušuje ono "transcendentní
napětí", konstituující specifickou atmosféru Bressonových filmů.
Sklíčenost nad světem, propadajícím všeobecné zkáze, směruje Charlesa neúprosně k aktu
sebevraždy, a tak mladík, chtěje zaplašit temnou lákavost tohoto východiska, hledá se
zoufalou urputností argument, který by zpochybnil jeho apokalyptickou vizi. Tady už
Bressonovi nestačila čistě privátní sféra Charlesova života, i když pocit prázdnoty z
nezávazného flirtování se dvěma dívkami hraje v Charlesově rozpoložení rovněž nemalou
roli; nechtěl se spokojit s nejednoznačnými, nejasnými, a přece tak výmluvnými náznaky
svých předchozích filmů (Gérardovo rádio a motorka v Baltazarovi, deprimující anonymita
města v Něžné a Čtyřech nocích snílka...), a rozhodl se pro přímé
pojmenování jevů, které jej právě tak jako jeho hrdinu znepokojují. Provází Charlesa na
jeho pouti od jedné instance ke druhé - od levicového hnutí studentů přes církev a
sdružení ochránců přírody až po návštěvy u psychoanalytika - a pokaždé konstatuje
naprostou marnost úsilí najít nějakou oblast života, kde by se člověk mohl smysluplně
angažovat a skrze kterou by se mu zjevila nějaká pozitivní nadosobní hodnota. Všude
vládne zplanělé myšlení, pragmatická morálka, bezcitnost, peníze, a co hůře, jak zde
dokazují četné úryvky vybrané z příslušných dokumentárních filmů, dnešní civilizace
dovedla naši planetu na okraj ekologické katastrofy. Zlo, které začíná povážlivě
dominovat už v Mušce, bylo dosud metafyzické, tady je již hmotné a přitom, na
rozdíl od dřívějška, jeho zdroj je neviditelný, nedefinovatelný, všeobecný. "Kdo stojí
za tím vším, co se dnes děje? Kdo je vinen?" ptá se jakýsi muž v autobuse, kde sedí
Charles. A jiný mu odpovídá - "Neznámé síly... pravděpodobně ďábel."
Kritika se shodla v jednom: že totiž rozhořčení Bressona-moralisty zde dospělo k
nejzazšímu vyjádření. Avšak zatímco jedni oceňují, že v případě potřeby dokázal
enigmatický tón své výpovědi sladit s adresnými poukazy na klíčové stimuly hluboké
krize současného světa a vyjádřit svůj nesmlouvavý soud nad nimi, druzí jsou překvapeni,
že "mravní neklid" tu nahradil tezovitým moralizováním, jež navíc skutečný "stav věcí"
dost značně zkresluje. Bressonovým exemplům tu opravdu nelze upřít trivialitu a divák
se může cítit popuzen redukcí mnohotvárné reality na schémata ploše ilustrující jeho
výchozí záměr, ovšem jen do momentu, kdy si uvědomí, že Bresson se pokouší s těmito
konkrétními příklady ze sféry institucionalizovaného duchovního života (politické hnutí,
psychoanalytické seance, ekologické sdružení...) zacházet úplně stejně jako s elementy
ze sféry předmětné - jako se zástupnými znaky. Že se mu tentokrát jeho záměr plně
nezdařil, jak dosvědčuje ono rozporné přijetí filmu, to je důsledek limitovanosti,
která tkví v samém jádru jeho tvůrčí metody. Bressonova vypjatá vůle stylizovat, jeho
tendence k modelové prezentaci postav, prostředí i děje se totiž nesnáší s konkrétní
fakticitou, s realistickou drobnokresbou. Chce-li jich použít jako stavebného materiálu,
výsledkem je schéma v rovině umělecké a dogma v rovině myšlenkové.
Třináctým a zatím posledním filmem Roberta Bressona jsou Peníze (1983), dílo
volně inspirované povídkou Falešná bankovka od L. N. Tolstého. Dílo, které svou
chmurností ještě daleko předčí film Pravděpodobně dábel, jakkoliv právě ten byl
klasifikován jakožto nejpesimističtější.
Jako by tu východiskem bylo spíše lapidární novinové konstatování o doznání krutého
vraha, dříve již několikrát trestaného, který zabíjel z nevysvětlitelných pohnutek, a
jako by film v mnohém opakoval děsivou strohost novinové zprávy. Ještě se zde jakž takž
ozřejmí, jakou souhrou nevyhnutelných náhod byla uvedena v pohyb mašinérie Zla, řítící
se poté sama nezadržitelně vpřed, provázena všeničivou smrští, ale hrůzný čin mladého
Yvona omráčí diváka svou nečekaností. Nemotivován, nepředpokládán - vstoupil snad do
Yvona sám ďábel, který předtím Charlesovi zjevoval svou tvář na každém kroku? Bresson
nás nesmlouvavě drží při zemi (což sugeruje i obraz, kdy kamera je povětšinou kdesi ve
výši pasu a pevně zasazuje viděné do minimálních, vždy ohraničených prostorů), nutí nás
jeden po druhém konzumovat na dřeň vydestilovaná fakta, z nichž se přitom podle běžně
vžitého úzu nedá vyčíst žádná souvislost, svírá nás v zajetí absolutní přítomnosti, kde
není místa ani času na interpretaci toho, co sledujeme. Neblahé peripetie případu
automechanika Yvona, jenž je nespravedlivě nařčen z machinací s falešnými bankovkami a
posléze uvězněn, se dlouho kříží s dalšími načrtnutými příběhy: lyceisty, který uvedl
do oběhu nepravý peníz, majitele obchodu s fotografickými potřebami a jeho dvou
zaměstnanců, zvláště Luciena, jehož další jednání je jakousi antitezí k vývoji Yvona.
Je tu i Elise, Yvonova žena, a jejich malá dceruška, ale jen proto, aby se ukázalo, že
ve chvílích nejtěžší krize ztrácí Yvon i toto jediné zázemí. Nic jiného Bressona
nezajímá, než holé údaje, které "značkují" Yvonův sestup po šikmé ploše. Sled jednotlivých
"teď", mrazivě netečných k okolnímu kontextu: "...ztrnulá těla bez náznaku myšlenky,
skutky, které se právě konají. Čirá přítomnost, nenarušena žádnou vzpomínkou, úvahou,
vysvětlením, bez světla a stínu. Možná, že pocit skličujícího determinismu a neúprosného
řetězení, které Peníze vyvolávají, aniž by přitom samo jejich téma tuto ideu
přímo obsahovalo, pochází právě odtud." (Vincent Amiel) Paradoxní ovšem je, že takovéto
rigorózní využívání postav je na druhé straně podivuhodně osvobozuje - pro svou
jednorozměrnost nepatří vlastně s určitostí nikam, lze se nadít, že kdykoliv v líčení
vystoupí náhle do popředí kterákoliv z nich. Obdobně je tomu i s motivy a teprve zpětně
nám připadají zacílené jedním směrem. V momentu, kdy zemře Yvonovi dítě, nebo když mu
žena oznámí, že jej opouští, nespatřujeme v tom ještě nic zvláště signifikantního
prodalší spád věcí, z odstupu se ale tyto momenty jeví jako až naivně přímočaré
argumenty podepírající tezi Yvonova definitivního vyvrácení z kořenů.
Peníze jako odvěký symbol zla a zkázy. Peníze jako symbol zkaženosti naší epochy, v níž
peněžní vztahy nahradily přirozené lidské vztahy a uvrhly člověka do ponižujícího
područí pomíjivých hmotných statků. I toho, jenž s nimi o své vůli nechce mít nic
společného, tak jako Yvon. Co je však ještě strašnější, dovozuje Bresson v tomto filmu -
ten, kdo je jednou zasažen, nestane se jen tragickou obětí (jako Charles v
Pravděpodobně ďábel), ale i aktivním šiřitelem této zhouby, ďábelskou bytostí,
jež je netečná i vůči vykupitelské síle citu. Není jiného správného vysvětlení pro
Yvonovo kruté vyvraždění rodiny té, která s ním jako jediná projevila soucit, neboť
Bressonovou ctižádostí není být moderním psychologem, nýbrž klasickým moralizátorem,
prostředkujícím katarzní účin skrze příběh spoutaný pevnou osnovou tradiční morality.
V perspektivě čtyřicetiletí poválečné kinematografie je Robert Bresson výlučnou
uměleckou osobností, režisérem, který cestu za svou vizí dokonalého filmového tvaru
podstupuje s mimořádnou soustředěností a zcela osaměle. Na sklonku tohoto tisíciletí
jsme byli svědky formování a vývoje několika geniálních filmařů, jejichž díla byla a
jsou mezníky a zároveň nejvýznamnějšími kapitolami tohoto umění, ale stěží bychom našli
někoho druhého, kdo si jako Bresson vybudoval hermeticky uzavřený systém v zacházení s
vyjadřovacími prostředky filmu, kdo stvořil svůj nenapodobitelný styl, usilující zlomit
i ona nejosudovější pouta kinematografie - totiž její bytostnou závislost na
předsnímací realitě. A ačkoliv Bresson sám ve svých
Poznámkách o kinematografu
nepřestává opakovat, že podoba jeho děl je výsledkem přísné koncentrace na čistotu
formy, nemůže být pochyb o tom, že tato formální vytříbenost vyvěrá přímo z jejich
niterných obsahů. Schrader hovoří o transcendentnu, Bazin o zduchovnění reality, další
o filozoficko-teologické dimenzi Bressonových filmů, o jeho jansenismu - pokaždé je
patrno, nakolik ten, kdo se zabývá Bressonovým dílem, pociťuje naléhavou potřebu
vyrovnat se s jeho vzýváním absolutna. Zároveň je zřejmé, do jaké míry se Bresson
odlišuje od svých souputníků, kteří sledují obdobné cíle: zatímco oni, poznamenáni
neurózou a chaosem dneška, sondují člověka, aby se pokusili nově kodifikovat
elementární kategorie lidské existence, Bresson karatelským okem vědoucího a neomylného
Soudce poměřuje současné bytí neotřesitelným Řádem života, neměnnými etickými Zákony,
aby se vší naléhavostí vrhl světlo poznání na nepravosti, které člověka vzdalují jeho
lidskému určení a aby mu připomněl zasuté zdroje jeho mravní síly a důstojnosti. Právě
toto východisko ryze duchovní povahy, zřetelně a definitivně artikulované takřka od
prvního filmového díla a vynucující si pozornost diváka více než předmětná skutečnost a
dění, zachycené na plátně, je prapůvodní příčinou Bressonovy jedinečné stylové oproštěnosti
i výlučnosti jeho postavení - nelze se jinak než pouze vnějškově přiblížit k dílu,
jehož tvar vyplývá ze samostatného myšlenkového světa.
Robert Bresson, osamělý velikán, zanechává v říši přeludů a stínů filmového plátna
otisk klasické kultury, jejímž aktuálním odkazem dnešku je vědomí sounáležitosti člověka
s řádem veškerenstva. Není snadné porozumět poselství, které se dovolává nenávratně
mizejících hodnot, ale ten, kdo se mu naučí naslouchat, stane v úžasu nad netušenou
mnoharozměrností lidské existence.
Text byl vydán Českým filmovým ústavem jako 50. svazek v řadě monografií
filmových tvůrců v roce 1987. Za pomoc při přepisu děkuji Vladimíru Suchánkovi.
Na Nostalghia.cz se souhlasem autorky [publikováno: 11. 11. 2003]
|
|